Ernesto Lozano Lleva Xochimilco a Costa Rica

Renacentismo Contemporáneo

La Poesía Visual de Paz
Desde el próximo jueves 6 de agosto podemos contemplar la obra de gran formato del maestro mexicano Francisco Paz en Axis Mundi Galería de Arte. La muestra “DISGREGACIONES” la integran piezas de reciente creación de este artista contemporáneo que maneja la técnica y las recreciones del Renacentismo, con una soltura y una paleta poco usual en la pintura contemporánea. Paz es graduado de la Esmeralda, tiene 8 exposiciones individuales, premios y reconocimientos especiales. La Razón de México conversó en exclusiva con este joven artista.
La Poesía Visual de Paz, cómo te identifica con este titular? La pintura te da muchas posibilidades, tanto técnica como en la construcción de la imagen, no estoy atado a una manera de pintar, a un estilo, en este proyecto hago una reflección en torno a la pintura, refiero el gusto que tengo por la pintura académica, lo que entendemos como pintura, que es el momento en que como materia empieza a tener un valor simbólico, en el sentido de la pintura de los pintores venecianos del Renacimiento, cuando el empaste y la transparencia empiezan a dar muestras diferentes que no habían logrado dar los pintores florentinos, con un valor matérico en la pintura que le da ese carácter simbólico.
En esta muestra me refiero a ese origen, hago una serie de interpretaciones que van en distintos caminos, de ahí empiezo a generar poesía, una poética de la pintura, retomo desde el origen, que es la pintura veneciana, planteándola por caminos como el de Bacon, que es uno de los pintores que me conmueven y me entusiasman sobremanera. En algunas de las piezas que presento hay referencia a Bacon y del Arte Pop, de cómo se construyó esa imagen en los años 60 y 70, explorando las posibilidades de la pintura figurativa.

Qué te propones en esta serie de óleos y dibujos con nuevas metáforas de temas renacentistas? Hay delimitaciones en como entender el Arte Contemporáneo, no como el arte del momento que se está viviendo sino como una especie de estilo o manera de cómo se aborda la reflección del arte. El Arte Contemporáneos es el momento en que los artistas ya no voltean hacia atrás, en los inicios del siglo XX se manejaban mirando hacia delante, generándose las vanguardias. En el Arte Contemporáneo se da la posibilidad de mirar hacia atrás y poder encontrar todo lo que se fue dejando en el camino. Por eso vuelvo la mirada y hago una especie de revisión y trato de encontrar un discurso distinto a esto que ya estaba creado en la narrativa de la pintura renacentista.

En tu obra encontramos temas como la perpetuidad y la tragedia, insertándola en los tiempos contemporáneos, a pesar de la mirada atrás, cómo leerlos? Hay temas que se abordan y se recrean desde los griegos hasta la fecha, la muerte por ejemplo, la tragedia, que es la misma que vivimos ahora, sigo trabajando sobre esto mismo pero con una postura contemporánea.

Que tratas de trasmitir al preocuparte sobremanera por la técnica? En mi obra hay un interés por tema, la técnica y por el fondo, porque debe haber un equilibrio. La forma, como el concepto y la materia son parte íntegra de la construcción de la obra, trato de lograr un justo medio.
Porqué debemos visitar tu Exposición Disgregaciones? Será un encuentro interesante con una propuesta donde podrán ver una pintura que no es académica, pero que es próxima a la manera de trabajar y como lo entendían los pintores académicos. Es una propuesta que se funda en la reflección contemporánea, tiene esas dos posibilidades, la reflección y la contemplación.

De Rebote
Academia
Una manera de construir y pensar en el origen de las cosas
La Esmeralda
Mi escuela
Docencia
Compartir el conocimiento
Renacimiento
Un momento muy importante de cómo nos entendemos como seres humanos
Anatomía
El cuerpo humano
Perspectiva
La magia de poder crear tres dimensiones en un plano
Figuración
Una posibilidad, porque la otra es la abstracta
Ticiano, Caravagio, Tintoretto, Lucian Freud, Corzas, Rembrandt…
Mis maestros
Francisco Paz
Pintor

Toma Nota

Exposición “Disgregaciones”
Francisco Paz
Desde el 6 de agosto a 20 de septiembre
Axis Mundi Galería
Blvd. Manuel Ávila Camacho Nº 37, piso 8
(Entrada Por Monte Elbruz)
Colonia Lomas de Chapultepec-Polanco
Teléfono 5281 1246
Metro Auditorio y Polanco
Horarios 10:00 a 18:00 horas
Lunes a Viernes
Entrada y Estacionamiento Gratuitos

Retratos en Mármol

Desde este 23 de julio, en el Museo Casa de León Trotsky, de la Colonia del Carmen en Coyoacán, se puede observar la exposición de 22 esculturas “Eterno Retorno” del artista mexicano Alenjandro Quijano. Una muestra de Máscaras de un escultor sólido, con un sello y un lenguaje propio, con apropiaciones desde que asistió a los cuatro años de edad a “La Esmeralda”, conociendo muchos artistas que en la actualidad tienen más de 70 años. Se dio cuenta con el pasar del tiempo que la docencia lejos de ser formativa, era cuestión de técnica, de conceptos, decidiendo hacer desde ese momento lo que le fuera naciendo, batallando y sufriendo, pero trabajando siempre. Admirador en la parte creativa y subjetiva de artistas como René Magritte, Max Ernest, Francis Becon, Rufino Tamayo, Siqueiros y Carlos Mérida.

Que podemos leer en estas máscaras? La idea es crear una imagen espejo donde evoques al observador el verse a si mismo, abrir su parte inconciente, su parte reflexiva, el tratar de encontrar el acertijo de cada cara, de cada máscara. De alguna manera todos vivimos a veces contentos, tristes, solemnes, alertas, pero rara vez la imagen real del individuo con su existencia coinciden, es parte de establecer ese vínculo de comunicación, esa empatía, ese contacto con uno, es el espejo en que te vas a descubrir, la idea es que la obra abra el umbral de tu existencia, la frontera y la sensibilidad para encontrar toda esa riqueza de matices que se presenta, porque de repente perdemos en lo cotidiano la capacidad de asombrarnos, de ver, de pensar, cuando voy trabajando las piezas, descompongo reflexiones y pensamientos, ideas, las caras tienen un contenido enigmático, con una sonrisa esbozada, sutil. Pienso que todos los artistas hacemos autorretratos emocionales, de lo contrario solo ilustramos la vida.

Dices que tus piezas son “autorretratos emocionales”, puede uno como espectador colocarse detrás de esas máscaras? La intención es que toda persona las convierta en ese espejo y se vuelva un retrato de si mismo. Cada cara, cada máscara la resuelve el espectador y se apropia del momento en que hace el contacto y se enamora de la pieza, le gusta, le inquieta. El arte tiene que tener una acción simbólica, conciente o inconsciente, subliminal, emotiva, erótica, sensual, hay muchos puentes, algunas personas bajan de la cotidianidad, de la media del periódico, de la radio, del trabajo y cruzan el puente a otra expectativa, otro mundo.

Porqué el Mármol en tus obras? El Mármol es mágico, inicialmente lo trabajaba como una pieza completa, con los años he ido viendo que tiene una riqueza y un lenguaje maravilloso, he descubierto que no trato igual un Onix verde de la Zona de Valle de Bravo que un Mármol naranja de Durango, o un Grano de Sal, o un Negro Monterrey o una Alejandra. Colecciono los Mármoles y de repente voy viendo que pieza va a emerger de ellos, como si fueras un catador de vinos o un experto

Porqué el público lector de la Razón de México debe visitar “Eterno Retorno”, tu muestra de esculturas?. Hay en el arte una cierta denominación de origen. Yo soy un artista que viene de Yucatán, zona llena de piedra calcárea, mucha roca, todo eso va a enriquecer la diversidad cultural. Nosotros como artistas estamos enriqueciendo la vida. Pretendo inquietar al público, los títulos nos habla de cuestiones milenarias, pero la obra es contemporánea, hay una fusión en el tiempo. La vida se desarrolla en distintos escenarios, como seres humanos somos moldeables y el arte da esa posibilidad a la persona que lo posee. El que llega a mi exposición tiene la posibilidad de enamorarse de la vida a través de mis piezas.

De Rebote

Escultura
Espacio, Momento, Solidez, Contundencia

Mármol
Evocación, Historia, Tiempo, Trascendencia

Serpiente
Inteligencia, razón, elevación, sagacidad, misterio

Figura Humana
Eros, Tanatos, Vida, Muerte

Metamorfosis
Trasmutación, Cambio

Máscaras
El Vestuario de todos los Días

Alejandro Quijano
Soñador

Toma Nota
Exposición de Escultura “Eterno Retorno”
Alenjandro Quijano
Desde el 23 de julio a 10 de agosto
Museo Casa de León Trotsky
Río Churubusco 410
Colonia del Carmen, Coyoacán
Teléfono 5658 8732
Metro Coyoacán
Horarios 10:00 a 17:00 hrs
Martes a domingo
Entrada Libre a Exposición

VIDAGRAMA, In Memoriam, Juan Navarro en Casa Lamm

Paradójicamente, ahora que Juan Navarro Alcántara (1951-2009) no está entre nosotros, Casa Lamm presenta Vidagramas, exposición In Memoriam, conformada por dípticos trípticos y polípticos, que ‘es un canto a la vida’, según comentó la crítica de arte Germaine Gómez Haro, agregando ‘a partir de un armonioso y sensual baile de colores se regodean en la libre expresión de sus trazos gestuales. Su gráfica, más serena y mesurada, se traduce en un elogio al rigor y precisión técnica que remite a la contemplación y la búsqueda del vacío de la estética Zen’.

Germaine cita que ‘Ambas expresiones, opuestas y complementarias, conforman el universo intimista del artista que por fin se lanza a la aventura de la creación plástica que lleva a flor de piel. El resultado es una obra que derrocha energía, vigor y fuerza expresiva: un reflejo espontáneo y lúdico de su yo interno’.

La primera muestra personal de Juan Navarro, se puede disfrutar a partir de este próximo miércoles 22 de julio en el Espacio Visual, del Centro de Cultura Casa Lamm, ubicado en Avenida Álvaro Obregón 99, colonia Roma. La Razón de México conversó en exclusiva con Carlos Armella, amigo y recopilador de la obra de este ‘extraordinario dibujante, diseñador y publicista’, quien fuera el encargado del pabellón de México en la Exposición Mundial de Zaragoza 2008.

Qué motivó a Juan Navarro pintar esta obra plástica que presentaría en su primera exposición personal en la Ciudad de México? A Juan le pronostican una enfermedad terminal en abril de 2008, el preocupado por legarnos su sensibilidad y ese canto a la vida se pone a producir esta serie de 30 cuadros, en realidad es la intención de no dejar este mundo sin compartirno su gusto por la vida través de la expresión plástica.


Qué influencias del Arte Contemporáneo permearon su vida y obra? Podríamos mencionar que una de las mayores influencias en su obra es Pollok y Robko, son dos pintores contemporáneos que llevan a Juan a pensar en la forma estética de su canto a la vida.


Que encontramos en estos 30 trabajos entre óleos, acrílicos sobre papel y telas que se presentan de este artista español? Es una evocación al orden cósmico universal, él semeja el universo en sus cuadros, describiéndolo con miles de puntos que son los astros y las estrellas, nos lleva de lo revuelto al orden.

Es la obra de Juan Navarro sencilla y compleja a la vez, ¿Cómo su vida? Él era un tipo sencillo y fácil de ser, que armonizaba con todo.


Qué legado al arte y en especial a la plástica nos deja este pintor que consideraba el punto y la línea, como elementos de creación? Nos deja la manera de percibir el universo a través del uso del punto y la línea, sus obras son emotivas, son la combinación de colores en armonía, colores atractivos, casi puros, los siete colores básicos combinados en desorden, nos muestra un orden que solo él era capaz de plasmar.

Juan Navarro, quien siempre estuvo al frente de la organización de las muestras en turno (4 años de andar recorriendo el mundo de las ferias, exposiciones, de convivir con artistas y curadores, de organizar el WTC Artfest, la participación de México en la Bienal de Venecia (2007) y la exposición Arte y Materia en Zaragoza), ahora, con Vidagramas In Memoriam, su propio homenaje póstumo, asumió un nuevo papel. Es esta muestra un justo reconocimiento a su esfuerzo? Si, porque nos enseña que en la vida las cosas tienen que terminar de manera disciplinada, eso es lo que nos refleja en sus cuadros, disciplina y orden.




DE REBOTE

Dripping
Pronto

Color
Los Siete

Artfest
Juan Navarro

Bienal de Venecia
El patriotismo, el nacionalismo de Juan, que no habiendo nacido en México
era profundamente mexicano

Exposición Arte y Materia en Zaragoza
El inicio de su ordenamiento para después morir

Vidagramas
Su legado

Vida
Toda

Muerte
Intensa, consciente

Amigo
Grande

Juan Navarro
Enorme

Toma Nota

Exposición VIDAGRAMA IN MEMORIAM
Juan Navarro Alcántara
Centro de Cultura Casa Lamm
Espacio visual
galeriacasalamm.com.mx
Álvaro Obregón 99. Colonia Roma
Ciudad de México
Metro Insurgentes, Niños Héroes o Chilpancingo
Metrobus Alvaro Obregón
Teléfono 5525 4508
De lunes a domingo de 10:00 a 18:00 Hrs
Del 22 de julio al 17 de agosto
Entrada gratuita

"La Línea del Volcán" de Pedro Cabrita Reis

La instalación “La Línea del Volcán” de Pedro Cabrita Reis, se puede visitar en el Museo Rufino Tamayo a partir del día 16 de julio y hasta el 15 de noviembre de este año. Un proyecto lleno de vida, sensaciones, luminosidad, una puerta abierta, un paisaje detrás de lo cotidiano, objetos con historias, con nuevos significados y funciones, que nos remiten a un espacio habitable que ya conocemos. Un reto a nuestra imaginación y entrega.

Daniela Pérez es la curadora de “La Línea del Volcán”, instalación de Pedro Cabrita Reis. La Razón de México la entrevistó en exclusiva. En qué consiste una curaduría? El departamento de Curaduría Contemporánea del Museo Rufino Tamayo hace la programación de las exposiciones temporales que tienen una duración aproximada de 3 a 4 meses, de artistas internacionales en su mayoría, siguiendo el interés que el propio Tamayo dejó plasmado en la colección que él hizo de artistas contemporáneos suyos, como Picasso, Warhol, Bacon, los trajo a México, para darnos la oportunidad de conocer lo que estaba pasando fuera. Tenemos varias líneas curatoriales de interés, que dan continuidad y presentan la obra de los artistas internacionales que han tenido un desarrollo muy importante para la historia del arte. Líneas de la Abstracción Geométrica, exposiciones para darle seguimiento al desarrollo de la pintura a nivel contemporáneo.

Qué es una instalación? Es una pieza artística que no necesariamente tiene las características formales, definitivas, de una escultura, esta barrera entre lo que es una escultura y una instalación en estas propuestas quedan totalmente mezcladas, una escultura puede ser vista como un objeto de cierto volumen, que podemos, como espectador, circundar, una instalación es una pieza que se monta de acuerdo a ciertas particularidades, se puede desmontar y volver a instalar en otro espacio y adquiere características a partir de cada momento en que se presenta.

Porqué la obra del artista portugués Pedro Cabrita Reis, (Lisboa 1956) en el Museo Rufino Tamayo? Es un artista de gran trayectoria internacional, desde los años ochentas ha tenido un desarrollo a partir de la pintura y sus posibilidades, entremezclándolo con ideas de la habilidad y el impulso que tiene el hombre por construir relacionándolo con la propia práctica artística. Pedro se percibe a si mismo a partir del desarrollo del análisis artístico como pintor, veremos unas piezas nuevas, hechas ex profeso para estas salas, para esta arquitectura, que él ha estado observando, analizando, al igual que la Ciudad de México. En “La Línea del Volcán” como espectador, habitamos físicamente un espacio con muros de un verde intenso en las primeras salas, con pocos y sencillos materiales domésticos y de construcción, (tubos de luz fluorescentes, balastras, cable negro y elementos de acero). Desmiembra los objetos que podemos ver en un espacio habitable, es el proceso de reflección al que llega después del análisis de lo exterior, es un gesto artístico, ya no es nada más el objeto encontrado, rescatado y aplicado a las salas sino que conforman un nuevo espacio, una pieza de arte. En la sala siguiente nos adentramos a una intervención en la que el artista utiliza seis puertas de madera rescatadas de un edificio, que en lugar de estar en su posición vertical, las coloca en horizontal y de tres en tres. Enfatiza como el hombre se ubica en el mundo a partir de parámetros verticales y horizontales, en esta instalación la línea de luz sugiere un horizonte, los elementos de acero en posición vertical, nos marcan parámetros de distancia y proximidad, estas líneas nos posiciona en un mapa, aunque tal ves el artista en su visión, en su gesto, en su estética, nos ubica en este espacio, nos presenta estos elementos no necesariamente figurativos en la presentación de una obra abstracta. Los espectadores han de venir a observar con mente abierta, a no tratar de ‘entender’, llegar, habitar y disfrutar el espacio, que cada aspecto estético nos diga y nos haga reflexionar.

De rebote

Arte Contemporáneo
Experiencia

Curaduría
Pretextos

Museos
Posibilidades

Instalación
Diversidad

Rufino Tamayo
Color

Pedro Cabrita Reis
Emotividad

Toma Nota

Exposición “La Línea del Volcán”
Pedro Cabrita Reis
Museo Tamayo de Arte Contemporáneo
www.museotamayo.org
Paseo de la Reforma y Gandhi s/n
Bosque De Chapultepec
Ciudad de México
Metros Chapultepec y Auditorio
Teléfono 5286 6519
De martes a domingo de 10:00 a 18:00 Hrs
Admisión $15:00
Domingos entradas gratuitas

"Espacios Interiores" de Guadalupe Morazúa

Guadalupe Morazúa expone “Espacios Interiores” en una de las galerías más antiguas de México, la Galería Juan Martín en la Colonia Polanco. Escribió Luis Carlos Emerich que ‘el trabajo de Morazúa ha sido una travesía anímica, cuya unidad es el fluir constante por los meandros sensoriales que van desde la delicada matización de campos de color por sus valores lumínicos, acotados por trazos libres que sugieren profundidad espacial, hacia ocasionales obstrucciones por manchas masivas que, con una virtual voluntad propia, tienden a desgarrarse o a disolverse o a precipitarse, hasta llegar a saturaciones casi completas de la superficie, incididas por grafismos que extraen sus últimos signos de luz.’

Obra fundamental la de Guadalupe cuando hacemos el recuento del acontecer actual del Arte Abstracto en México, llena de sensibilidad y maestría, de color y desenfado, de técnica y una profundidad filosófica que atrae y magnetiza. La Razón de México conversó en exclusiva con la artista.

Que aportó a su formación académica la Escuela Nocional de Artes Plásticas (ENAP) de la UNAM? En la ENAP yo cursé la carrera ya grande, ahí me hice abstracta, una de mis mayores referencias ha sido mi maestra Irma Sánchez Laurel por su gran colorido. Trabajé muchos años el Realismo, lo disfruté, pero ya en la escuela me solté, me enamoré del Abstracto y ya no quise regresar al Realismo.


Cuando termina sus estudios, cómo se enfrenta al mundo exterior del Abstracto, cuáles llegan a ser sus influencias? Yo soy una enamorada del trabajo del catalán Antoni Tapies, sobre todo de su etapa más reciente, de Matias Goeritz, me gustan mucho los años del abstraccionismo americano, mi pintura está aún en esa etapa, está en la ruptura, no estoy ahorita en el Arte Conceptual, si llego a él será caminando de la mano de mi propia manera de trabajar, todavía no lo asimilo, lo veo, lo acepto, lo disfruto, creo que es más la idea, la mano de la artista creando, la mente.

Hay en estos momentos una gran crisis en el mundo, repercute esta en su mundo interior? Claro que si repercute, volteas a ver tu país y quisieras hacer una bolita y extenderla, hacerlo más homogéneo, no tan disparejo. Te metes en tu trabajo, lee todos los días el periódico, escuchas las noticias y te dan ganas de componer el mundo. Tengo pinturas que son la desesperanza, la soledad. Pero no pinto con la bandera de combatir todo eso. No pinto con esa bandera.

“Espacios Interiores”. Obra reciente. Que encontraremos en esta exposición? En Espacios Interiores hice una introspección, todo ser humano tiene dos lados, uno de desesperanza, de ansiedad, de soledad, de angustia y otro lado que tal vez puedes elegir, de trabajar para tener algo mejor, de tender la mano, de ser positivo. El lado de la luz, del ayudar. En esta muestra destacaría la pieza “Resplandor” y “Luz de Libertad”, son obras que logré, hablan de la luz que te llega a pesar de la desesperanza…de esa luz al final del túnel que podemos alcanzar. Son reflejo del discurso de esta serie.

Que se siente Guadalupe cuando llega el momento de la fiesta, de la inauguración, después de meses y meses encerrada en su estudio creando y pintando? Me quiero esconder, es mucha la presión al enfrentar tu trabajo al espectador. Espero que “Espacios Interiores” les de la idea de no quedarte acá, de irte al otro lado, de no quedarte en tus miedos, de irte a la esperanza.

De Rebote

Escuela Nacional de Artes Plásticas
Ahí estudié

Técnica
El Óleo

Arte Moderno
Siempre presente en la vida de todos los artistas

Arte Abstracto
Mi pasión

Espacios Interiores
Una introspectiva del ser interior

Estados de Ánimo
Más alegre que triste

Gunther Gerzso
Uno de mis favoritos

Manuel Felguerez
Me gusta mucho su última etapa
Siempre he seguido su obra

Guadalupe Morazúa
Una persona que trabaja y que va ha trabajar siempre
Enamorada de mí trabajo


Toma Nota

Exposición Guadalupe Morazúa
“ESPACIOS INTERIORES”
Galería Juan Martín
Dickens 33-B. Colonia Polanco
Ciudad de México
Metros Auditorio y Polanco
Teléfono 5280 0277
8 al 31 de julio
Abierto de lunes a viernes
10:30 a 14:00 y 16:00 a 19:00
Sábado de 10:30 a 14:00 horas
Entrada Libre

Alice Rahon. Un Mundo Surealista

El Museo de Arte Moderno presenta la exposición “Alice Rahon. Una Surrealista en México” de esta pintora de origen francés, quien llegó a México en el año 1939 invitada por Frida Kahlo y Diego Rivera. Figura clave del arte moderno mexicano y del surrealismo en América. La muestra incluye 80 obras y estará abierta hasta el próximo mes de septiembre.

¿Para el galerista Oscar Román es Teresa Arcq una de las más destacadas curadoras mexicanas. En qué consistió el trabajo de curaduría y cómo se llega a esta muestra? El Proceso comenzó hace varios años, a iniciativa del galerista Oscar Román, un sueño para él. La iniciativa fue muy bien acogida por Osvaldo Sánchez, director del Museo de Arte Moderno. Tuve la fortuna de ser invitada para realizar este proyecto que llevó poco más de dos años de investigación. En principio tuve acceso al archivo completo de la artista que aún es prácticamente inédito. Logramos descubrir algunos aspectos desconocidos de Alice y localizar piezas que nunca se habían expuesto aquí y que se encontraban fuera del país. La idea desde un principio era tratar de ubicarla dentro del contexto de los surrealistas en México, porque si bien Alice formó parte de los surrealistas en París como poeta, fue aquí donde empieza a pintar.

Este encuentro fue muy importante y enriquecedor para ella y notablemente marcó su trayectoria pictórica. La idea era ubicarla, al no ser conocida por muchos como lo son Remedios Varo y Leonora Carrington, dentro del contexto de este grupo de los surrealistas y hacer una retrospectiva en el sentido de que la exposición abarca desde las primeras obras que creó hasta obras de los últimos años, no es una muestra cronológica, la idea fue rastrear todos los temas que fueron de su interés y a partir de ahí se armó el guión curatorial. Es una exposición temática que nos permite ir viendo todas las preocupaciones tanto estéticas como ideológicas a lo largo de su carrera y lograr plantear una exposición donde fuera siempre evidente el diálogo entre la poesía, la literatura y la pintura, constante en la obra de Alice. Sus primeras obras ellas las denominó poeme tableau, pintaba una pequeña obra y añadía un verso de un poema que tuviera que ver con ella. Sus cuadros son como una descripción pictórica de las palabras en el poema. Se buscó hacer evidente para el público este diálogo continuo entre la literatura y la pintura.

¿Dice Teresa del Conde que “las breves explicaciones con lugares comunes, se eliminen de los comentarios escritos que acompañan las exposiciones porque no ayudan y hasta estorban un poco”. Comparte ese criterio Teresa Arcq? No lo comparto, la idea es darle pequeñas pautas al público del contexto de la obra de Alice que sin algunas explicaciones en las cédulas, sería más difícil comprender. Cuando se aborda la influencia que tiene el arte primitivo o trival de los pueblos de Alaska y la Columbia Británica, si no se habla un poco del impacto que esto tuvo desde los surrealista y en Alice y en el viaje es difícil para el público contextualizar lo que está viendo en la exposición.

¿La española “fantástica” Remedios Varo, el canadiense “mecánico” Alam Glass, la francesa “rupestre” Alice Rahon, (decía de ellos Concepción Moreno) y asi muchos otros, con el denominador común de que todos residen y crean en México, se desmarca Alice del resto de surrealistas? Su creación es muy diferente. Alice se distingue porque su obra siempre estuvo ligada al surrealismo. Ella mantuvo el vínculo con André Bretón hasta los últimos años a diferencia de otros artistas que se desvincularon del grupo originario. Alice retoma a lo largo de su carrera muchos de los aspectos fundamentales para Bretón, la idea del azar, del hallazgo, del objeto encontrado que incorpora a la pintura, del lograr esta unión entre poesía y pintura. Dada la admiración que sentía por él le dedica en homenaje un cuadro.


¿Cómo se lee a la poeta Alice Rahon a través de su obra plástica? Su obra plástica es también de una gran poesía y su poesía es muy descriptiva en cuanto a colores y formas. Muchos de sus primeros poemas aluden a los colores, son descripciones pictóricas y sus cuadros son tan poéticos en su construcción, en sus evocaciones, son un complemento exacto, un diálogo continuo.

¿Que obras destacan en esta muestra? “Encuentro de Ríos”, obra donde refleja esta idea de la naturaleza como el viento, que es verdaderamente suprema en su factura. Hay una obra que me gustaría destacar porque es una pieza en conjunto y que complementó la exposición con un happening surrealista, creó el Ballet Orión, conjugando la parte poética y la plástica en una obra tridimensional con marionetas. Refleja una síntesis del pensamiento de Alice y su concepción del mundo. La idea del Ballet de Orión se centra en el principio de todas las cosas y va concebido en la temática de la destrucción de la vida. Alice plantea un nuevo comienzo a partir de la oscuridad a través del personaje El Juglar, que establece el nuevo balance y a propiciar la creación, es el mago que va dar origen al principio de la vida. La música es de la India, que fue un viaje que realizó a ese país y la marcó profundamente. En Orión encontramos la síntesis de sus pensamientos e influencias.

¿Gracias a la revisión que hace el Museo de Arte Moderno, de la historia del arte en México. Se salda con esta muestra la deuda que tenía nuestro país con Alice Rahon y su legado artístico? Alice Rahon fue una pintora muy reconocida fuera de México en los años 40 y 50. Instituciones como el Pasadena Art Museum y el Museo de Arte de San Francisco adquirieron obras de Alice, Tuvo numerosas exposiciones en los Estados Unidos, en París, en Roma, Beirut y México donde expuso con diferentes galeristas, culminado con una exposición retrospectiva en el Palacio de Bellas Artes a un año de su muerte. Esta muestra que hoy se presenta en el Museo de Arte Moderno pone énfasis en los aportes de Alice Rahon a la estética, a la historia del arte en México.

Teresa Arcq

De Rebote

Curaduría
Karen Cordero

Arte Moderno
París

Surrealismo
André Bretón

Leonora Carrington
Maga

María Izquierdo
Color

Frida Kahlo
Dolor

Remedios Varo
Maravillosa

Alam Glass
El Encuentro Mágico

Lola Álvares Bravo
México

Katy Horna
Sueños

Juan Soriano
Mitos

Rodolfo Morales
Fiesta

Wolfgang Paalen
Genial

Alice Rahon
Hada

Toma Nota

Exposición Alice Rahon. Una Surrealista en México.
Museo de Arte Moderno
Paseo de la Reforma y Gandhi s/n
Bosque De Chapultepec
Ciudad de México
Metro Chapultepec
Teléfono 5553 6233
De martes a domingo de 10:00 a 17:30 Hrs
Admisión $20:00
Domingos entradas gratuitas

Funciones Ballet Orión
Julio 19, agosto 23, septiembre 13
Domingos 12:00 Hrs

Implulso al Arte Joven

Este domingo 21 de julio, a las 12 del día, se inaugura la muestra XXIX Premio Nacional de Arte Joven, en las Galerías Ex Teresa Arte Actual y José María Velasco, con la participación de 60 piezas de diferentes manifestaciones en el campo de las artes visuales. Nos permitirá conocer una gama de las búsquedas plásticas, temáticas y conceptuales, que los jóvenes se plantean, abarcando su contexto social o cultural en áreas tan diversas como la publicidad, la comunicación, el diseño gráfico, la sociología y la antropología. Encontraremos obras de los premiados, Mauricio Rodríguez, Yollotl Manuel Gómez Alvarado, Tania Ximena Ruiz Santos y Dan Montellano Herrera.

La Razón de México entrevistó a dos de los jurados del XXIX Premio Nacional de Arte Joven, Carlos Jaurena y Alfredo Matus quienes son artistas plásticos y promotores culturales.

Arte Joven marca para las nuevas generaciones el ser premiados? Es sin dudas una plataforma para ellos, ha cambiado mucho la dinámica del arte y hay otras maneras en que se están legitimando los jóvenes, incluso allende de las instituciones. Este concurso es convocado por el INBA y el Instituto de Cultura de Aguas Caliente, participaron 633 jóvenes artistas de entidades federativas como DF, Jalisco, Estado de México, Aguas Caliente y Guanajuato.

Cómo ven el estado de salud en México de este Arte Joven? Es muy saludable, en pintura había de diversas técnicas y estilos, con propuestas interesantes, así como en dibujo, hay fotografía de muy buena calidad, utilizando las nuevas herramientas digitales, técnica y conceptos, poca escultura, eso hay que decirlo. En cuestiones de instalación y arte objeto es muy refrescante ver propuestas arriesgadas y novedosas. Hay estados que no participaron como son Campeche, Colima, Sonora y Tabasco, en que su personal docente no está lo suficientemente preparado, que siguen pensando que en el arte solo consta de las herramientas tradicionales, no se abren a nuevos conceptos. También hay que señalar la pobreza de ciertos estados y sus políticas culturales. En Campeche o Hermosillo que a pesar de que son ciudades con importancia, no tienen todavía un perfil sobre que puedan estar desarrollando en cultura para los jóvenes.

Qué papel deben jugar los medios de comunicación para ayudar a los jóvenes creadores en ese impulso en las artes en general? Les falta buscar territorios más contemporáneos, jefes de redacción de secciones culturales en algunos diarios, que se casan con grupos de intelectuales mexicanos de la vieja guardia y todo lo demás no despierta su interés, sus reporteros no cubren campos culturales contemporáneos. Las notas de cultura siempre son las más pequeñas y reducidas, periodistas que se concretan a dar el dato, quedan como simuladores de ensayo o de crítica de ensayo de arte y se limita mucho en los medios lo que la gente pueda llegar a entender que pueda ser posibilidades en arte joven, arte experimental, arte alternativo.

Exposición XXIX Premio Nacional de Arte Joven
Obra Plástica
Galería José María Velasco
Peralvillo 55. Colonia Morelos. 5572-0542
Martes a Domingo de 10:00 a 17:00 horas
Entrada libre
Inauguración domingo 21 de junio 12 del día
Hasta el 26 de julio

Exposición XXIX Premio Nacional de Arte Joven
Videoarte e Instalación
Galería Ex Teresa Arte Actual
Lic. Verdad # 8. Centro Histórico. 5522-9093
Lunes a Domingo de 10:00 a 18:00 horas
Entrada libre
Inauguración domingo 21 de junio 12 del día
Hasta el 14 de julio